Die Geschichte des Linolschnitts und seine Künstler

Am Linolschnitt ist etwas still Radikales. Er nimmt eines der bescheidensten Haushaltsmaterialien, die man sich vorstellen kann – die Linoleumfliese – und verwendet es, um Bilder zu schaffen, die auf Galeriewänden, in politischen Pamphleten, auf revolutionären Plakaten und in den Studios einiger der bedeutendsten Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts erschienen sind.

Für uns bei Ritualis Press ist es auch das Medium, das im Herzen von allem steht, was wir tun. Wir stellen Werkzeuge für Drucker her, und so fühlt sich das Verstehen, woher der Linodruck kommt – wer ihn erfunden hat, wer ihn legitimiert hat, wer ihn an seine Grenzen gebracht hat – an wie das Verstehen des Bodens unter unseren eigenen Füßen.

Dies ist die Geschichte des Linolschnittdrucks: von seinen unwahrscheinlichen Ursprüngen als viktorianisches Bodenbelagspatent, durch seine Übernahme durch die Expressionisten, die Modernisten und die politischen Drucker der Jahrhundertmitte, bis zur lebendigen Gemeinschaft von Künstlern, die ihn heute nutzen.

Was ist ein Linolschnitt?

Ein Linolschnitt ist eine Art Hochdruck. Der Künstler schnitzt in eine flache Linoleumplatte – entfernt die Bereiche, die nicht drucken sollen – und was erhöht bleibt, wird eingefärbt und auf Papier gedrückt. Die Logik ist genau dieselbe wie beim Holzschnitt oder einem Gummistempel, nur mit einem anderen Material unter der Klinge.

Linoleum hat eine glatte, gleichmäßige Oberfläche ohne Maserung, was dazu führt, dass es auf das Schneidwerkzeug ganz anders reagiert als Holz. Linien können in jede Richtung verlaufen. Kurven sind einfach. Feine Details sind auf eine Weise erreichbar, die Holz mit seinem natürlichen Widerstand oft nicht bietet. Es ist verzeihend genug für Anfänger und ausdrucksstark genug für Meister.

Das Lino-Blatt, das heute zum Drucken verwendet wird – typischerweise grau oder braun, auf einem Jute- oder Leinwandträger montiert – ist im Wesentlichen dasselbe Material, das Frederick Walton 1860 patentierte. Was sich änderte, war das, was Künstler beschlossen, damit zu tun.

Die Ursprünge: Linoleum war nie als Kunst gedacht

Frederick Walton, ein britischer Erfinder, patentierte Linoleum im Jahr 1860. Der Name kombiniert die lateinischen Wörter für Leinöl (linum) und Öl (oleum): Das Material wird durch Oxidation von Leinöl und Mischen mit Korkmehl, Holzmehl und Pigmenten hergestellt und dann auf einen Jute- oder Leinwandträger gepresst. Es war langlebig, wasserbeständig und billig genug, um die Küchen und Flure des viktorianischen Britanniens zu bedecken.

Seine erste Verwendung war rein praktisch. Linoleum ersetzte Steinböden und blanke Bretter in Arbeiterhäusern. Es wurde massenprodukt, standardisiert und – entscheidend – flach, glatt und gleichmäßig. Niemand, der es für Bodenbelagszwecke entwarf, stellte sich vor, dass Künstler eines Tages anfangen würden, hineinzuschnitzen.

Der Übergang vom Boden ins Studio vollzog sich schrittweise in den 1890er Jahren. Die frühesten Aufzeichnungen über Linoleum als Druckfläche stammen aus dem deutschsprachigen Europa, wo Kunstpädagogen es als zugänglichere Alternative zum Holzschnitzen zu verwenden begannen. Linoleum war billig, weit verbreitet und erforderte weniger Können zum Schnitzen als Holz. Es wurde zu einem Lehrmaterial, bevor es zu einem Kunstmaterial wurde – und dieses Stigma, berechtigt oder nicht, begleitete es jahrzehntelang.

Wie der Linolschnitt weltweit heißt

Sprache verrät, wie ernst eine Kultur etwas nimmt. Der Linolschnitt hat viele Namen:

Englisch: Linocut, lino print, linoleum block print
Deutsch: Linolschnitt, Linoleumdruck
Französisch: Linogravure
Spanisch: Linograbado
Italienisch: Linoleografia

Die Vielzahl der Begriffe spiegelt wider, wie gleichzeitig sich das Medium in Europa und Amerika im frühen zwanzigsten Jahrhundert verbreitete. Verschiedene Traditionen entwickelten sich unabhängig, bevor sie sich gegenseitig zu beeinflussen begannen.

Linolschnittkunst: 1895 bis 1920

Franz Cizek und die Revolution in der Kunstpädagogik

Der österreichische Pädagoge Franz Cizek gilt oft als einer der ersten, der Linoleum in einen bewussten künstlerischen Kontext brachte. Beim Unterrichten an der Wiener Kunstgewerbeschule in den späten 1890er Jahren verwendete Cizek das Linolschnitzen als Werkzeug für kreative Ausdrucksformen in der Kunstpädagogik für Kinder. Sein Ansatz – Schüler frei schnitzen zu lassen, ohne die technischen Anforderungen des Holzschnitts – produzierte Werke von bemerkenswerter Spontaneität. Sein Einfluss verbreitete sich durch Europas Kunstpädagogiknetzwerke und half dabei, den Linolschnitt als legitimes Druckmedium zu etablieren, auch wenn er weiterhin als minderwertige Form des Holzschnitts angesehen wurde.

Emil Orlik und die Brücke zur Holzschnitttradition

Emil Orlik, ein tschechisch-deutscher Künstler, der in Japan ausgebildet worden war und tiefes Wissen über den Holzblockdruck nach Europa zurückbrachte, war einer der ersten professionellen Künstler, der Linoleum als eigenständiges Druckmedium ernst nahm. Seine frühen Drucke aus den 1890er Jahren – einschließlich des Portfolios Kleine Holzschnitte im MoMA – tragen den Einfluss des japanischen Drucks: klare Linien, durchdachter negativer Raum, angewendet auf ein neues Material. Orlik half zu demonstrieren, dass Linoleum kein Ersatz für Holz war, sondern eine Oberfläche mit eigenen Möglichkeiten.

Die deutschen Expressionisten

Die bedeutendste Gruppe früher Linolschnitt-Künstler waren die deutschen Expressionisten, insbesondere die Künstler der 1905 in Dresden gegründeten Die Brücke. Künstler wie Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel und Max Pechstein übernahmen das Drucken als zentralen Teil ihrer Praxis, nicht als periphere Tätigkeit. Sie wurden von der Rohheit angezogen, die Schneidwerkzeuge erzeugten, den kühnen Schwarz-Weiß-Kontrasten, der Möglichkeit, einen Druck schnell und günstig herzustellen und weit zu verbreiten.

Kirchners Drucke sind für ihre aggressive Energie auffällig – diese Qualität ist in Werken wie seinem Brücke-Manifest-Holzschnitt (1906) im MoMA und den Porträtdrucken von 1918 einschließlich Vater Müller und Kopf Ludwig Schames zu sehen. Heckels Drucke tragen eine ebenso kraftvolle psychologische Tiefe. Die Expressionisten nutzten das Medium nicht, weil es einfach war. Sie nutzten es, weil es zu dem passte, was sie sagen wollten. In ihren Händen wurde die relative Grobheit des Schnitts zu einem Merkmal, nicht zu einer Einschränkung.

Wassily Kandinsky, der später zu einem der großen Theoretiker der abstrakten Kunst werden sollte, schuf in dieser Periode Drucke, die mit Farbe und Form auf eine Weise experimentierten, die seine spätere Malerei vorwegnahm. Er sah das Drucken als Weg, schnell und kostengünstig über visuelle Probleme nachzudenken.

Gustave Baumann

In den Vereinigten Staaten machte Gustave Baumann mit demselben Material etwas ganz anderes. Ein in Deutschland geborener Künstler, der sich in New Mexico niedergelassen hatte, entwickelte Baumann eine Farbdruckpraxis von außerordentlicher Raffinesse – indem er mehrere Blöcke druckte, eine Farbe nach der anderen, um Landschaftsdrucke von großer Wärme und Subtilität zu erzeugen. Das Art Institute of Chicago besitzt 191 seiner Werke, einschließlich seiner frühesten Farbdrucke wie Altes München (1905) und New-Mexico-Landschaften wie Winsor Canyon (1920). Sein Werk half zu demonstrieren, dass der Linolschnitt in den Händen von jemandem, der bereit ist, Registrierung und Reduktionsdruck zu beherrschen, zur selben Farbkomplexität wie der Holzblockdruck fähig ist.

Linolschnittkunst: 1920 bis 1960

Die Grosvenor School und Geschwindigkeit im Druck

Die einflussreichste Gruppe in der Geschichte des Linolschnittdrucks war die 1925 von Claude Flight gegründete Grosvenor School of Modern Art in London. Flight war ein leidenschaftlicher Befürworter des Linolschnitts als demokratisches, modernes Medium – schnell, in Menge druckbar, erschwinglich und in der Lage, die Energie des modernen Lebens auf eine Weise einzufangen, die langsamere Prozesse nicht konnten.

Die Künstler, die er inspirierte, schufen Linolschnitte, die heute zu den bekanntesten des zwanzigsten Jahrhunderts gehören. Sie stellten die Rhythmen der modernen Stadt dar: Menschenmassen in Bewegung, Radfahrer, Rugbyspieler, Jahrmarktsfahrten. Sie verwendeten Diagonalen und Kurven, um Geschwindigkeit zu vermitteln. Sie druckten in leuchtenden, flachen Farben ohne Modellierung oder Schatten. Das Metropolitan Museum of Art hat einen eigenen Vortrag über die Grosvenor School und ihren Einfluss, der eine Stunde Ihrer Zeit wert ist.

Sybil Andrews ist vielleicht die beliebteste Künstlerin der Grosvenor School. Ihre Linolschnitte fangen Bewegung mit einer rhythmischen, fast musikalischen Qualität ein. Das Met besitzt eine große Sammlung ihrer Werke, darunter The Gale (1930), Speedway (1934), Racing (1934), Tillers of the Soil (1934) und Bringing in the Boat (1933).

Cyril Power brachte den Blick eines Architekten in den Linolschnitt ein und strukturierte seine Kompositionen um kühne geometrische Formen, die mit implizierter Bewegung pulsieren. Seine Londoner U-Bahn-Serie ist unverzichtbar: The Tube Train, The Tube Station und The Tube Staircase sind alle im Met. Ebenso The Vortex (1929), The Runners und The Eight. Das British Museum besitzt ebenfalls Powers Werke in seiner Sammlung.

Die Schweizer Künstlerin Lill Tschudi studierte an der Grosvenor School, bevor sie in Paris bei Fernand Léger und Gino Severini ausgebildet wurde. Ihre Drucke tragen eine scharf europäische Energie: Ice Hockey, Street Decoration und Tour de Suisse sind alle im Met.

Die australische Künstlerin Ethel Spowers reiste eigens nach London, um bei Claude Flight zu studieren, und brachte die Grosvenor-School-Ästhetik nach Australien zurück. Ihr Bank Holiday (1935) befindet sich in der National Gallery of Victoria in Melbourne – ein wunderschön komponiertes Bild von Freizeit und Licht.

Pablo Picasso

Keine Geschichte des Linolschnitts wäre vollständig ohne Pablo Picasso, der relativ spät in seiner Karriere, in den späten 1950er Jahren, zu diesem Medium kam. Picasso arbeitete in Vallauris im Süden Frankreichs und entdeckte den Reduktionslinolschnitt – ein Prozess, bei dem dieselbe Platte schrittweise geschnitzt und in mehreren Farben gedruckt wird, wobei vorherige Schichten dabei zerstört werden. Es gibt kein Zurück. Jeder Zustand ist unwiderruflich.

Das Metropolitan Museum of Art besitzt 147 von Picassos Linoleumschnitten aus der Kramer-Sammlung, dokumentiert in einer vollständigen wissenschaftlichen Publikation. Einzelne Werke im Met umfassen Porträt einer Frau nach Lucas Cranach II und Bacchanal: Flötenspieler und Tänzer. MoMA besitzt Stillleben mit Glas unter der Lampe (1962), einen seiner schönsten Reduktionslinolschnitte. Picassos Übernahme des Mediums beendete endgültig die Vorstellung, dass der Linolschnitt eine minderwertige oder untergeordnete Form des Druckens sei.

Politischer Druck: Leopoldo Méndez und die mexikanische Tradition

In Mexiko schlug der Linolschnitt einen ganz anderen Weg ein. Der Taller de Gráfica Popular (Werkstatt für Volksgrafik), mitbegründet von Leopoldo Méndez im Jahr 1937, nutzte Linolschnitt und Holzschnitt als Werkzeuge der politischen Kommunikation. Sie stellten Plakate, Pamphlete und Flugblätter her. Ihre Drucke waren darauf ausgelegt, auf einen Blick verstanden zu werden, in Menge reproduziert zu werden und Menschen zu erreichen, die vielleicht nie eine Galerie betreten würden.

Das Art Institute of Chicago besitzt die größte nordamerikanische Sammlung von Méndez' Werken, einschließlich Erschießungskommando und seiner außergewöhnlichen Hommage an Posada. LACMA besitzt seine In den Händen der Gestapo (ca. 1942). Das Met veröffentlicht einen gründlichen Essay über das Drucken in Mexiko 1900 bis 1950, der Méndez und den Taller in den vollen Kontext stellt. Der Taller de Gráfica Popular zeigte, dass der Linolschnitt sowohl Kunst als auch Instrument sein kann – dass Schönheit und Zweck nicht getrennt werden müssen.

Elizabeth Catlett

Elizabeth Catlett, eine afroamerikanische Bildhauerin und Druckerin, die sich schließlich in Mexiko niederließ und mit dem Taller de Gráfica Popular arbeitete, schuf Linolschnitte, die die politische Direktheit der mexikanischen Tradition mit einer tiefen Auseinandersetzung mit der afroamerikanischen Erfahrung kombinierten. Ihre Serie Die schwarze Frau (1946 bis 1947) ist eines der Wahrzeichen des Druckens im zwanzigsten Jahrhundert.

MoMA besitzt die vollständige Serie, einschließlich Ich bin die schwarze Frau und Und eine besondere Angst um meine Lieben. Das Art Institute of Chicago besitzt drei Einzeldrucke aus der Serie: In den Häusern anderer Leute, Besondere Häuser und Und eine besondere Angst um meine Lieben. Catletts Werk erinnert uns daran, dass der Linolschnitt immer für Künstler zugänglich war, die außerhalb der Hauptinstitutionen arbeiten – er erfordert weniger Ausrüstung, weniger Platz und weniger Geld als fast jede andere Form des Druckens.

Die Legitimität des Mediums: Eine Anmerkung, die es wert ist

Für einen Großteil seiner frühen Geschichte wurde der Linolschnitt von ernsten Druckern als Werkzeug für Studenten und Anfänger abgetan. Der Kritiker Aylmer Perry, der 1938 schrieb, sah sich gezwungen, in seiner Verteidigung zu argumentieren: Linoleum mag ein Ersatz für Holz sein, aber es ist ein Medium, das an sich der Beachtung der besten Blockdrucker würdig ist.

Diese Verteidigung hätte nicht notwendig sein sollen, aber sie war es. Die Künste haben immer Hierarchien, und der Linolschnitt saß für den Großteil der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts nahe am Ende der Druckhierarchie. Was sich änderte, war nicht das Medium. Es waren die Künstler, die es wählten. Als Picasso in Vallauris einen Stichel aufnahm, war das Argument beendet.

Linolschnitt heute: Die Rückkehr des Handgemachten

Im Drucken passiert gerade etwas, das wir bei Ritualis Press täglich in unserer eigenen Gemeinschaft widergespiegelt sehen. Nach Jahrzehnten der digitalen Bildherstellung kehren Künstler auf der ganzen Welt zum Physischen, Handgemachten, Langsamen zurück. Der Linolschnitt ist Teil dieser Rückkehr.

Die Gründe sind vielfältig. Manche Künstler werden von der Einfachheit des Prozesses angezogen – der Direktheit der Beziehung zwischen Hand, Werkzeug und Oberfläche. Andere schätzen die Unvollkommenheit, die Tatsache, dass keine zwei Drucke vom selben Block je identisch sind. Andere werden von der Geschichte angezogen: dem Gefühl, Teil einer Tradition zu sein, die Kirchner, Picasso, Catlett und Andrews einschließt.

Und manche, denken wir, werden vom Ritual angezogen. Das Aufbauen, das Einfärben, das Ziehen des Drucks. Der Moment, in dem das Papier angehoben wird und man sieht, was der Block einem gegeben hat. Dieser Moment ist derselbe, ob man einen Druckerei-Holzbaren von Hand verwendet, mit unserem Glasbaren für feine Details drückt oder einen Bogen durch eine A3 Lino-Presse führt. Die Technologie ändert sich. Das Ritual nicht.

Das Werk schaffen: Werkzeuge durch die Tradition

Eines ist klar in der Geschichte des Linolschnitts: Die Werkzeuge haben immer eine Rolle gespielt. Die Grosvenor-School-Künstler arbeiteten mit einfachen Handwerkzeugen und druckten von Hand oder auf Tischpressen. Picasso arbeitete in einer professionellen Druckwerkstatt. Der Taller de Gráfica Popular hatte gemeinschaftliche Studioausrüstung, die es ihnen ermöglichte, in Menge zu drucken.

Was alle diese Künstler teilten, war eine intime Beziehung zwischen Werkzeug und Material. Die Schneidwerkzeuge, die Sie verwenden, bestimmen den Charakter Ihrer Linie. Die Farbwalze bestimmt, wie Ihre Farbe auf dem Block liegt. Die Presse oder der Baren bestimmt den Druck und die Qualität der Übertragung.

Heute kann ein Drucker, der ein Heimstudio einrichtet, Werkzeuge erwerben, die die Grosvenor-School-Künstler außerordentlich gefunden hätten: tragbare Pressen, die auf einen Küchentisch passen, Präzisionsbaren, Farben, die speziell für die Anforderungen des Hochdrucks entwickelt wurden. Unsere eigenen Pressen, von der A5 bis zur A4, der A3 und der A2 Textil-Lino-Presse, sind um dieselben Prinzipien herum entworfen, auf die diese frühen Künstler hinarbeiteten: Konsistenz, Kontrolle und die Fähigkeit, Auflagen von echter Qualität herzustellen.

Die Geschichte des Linolschnitts ist zum Teil die Geschichte von Werkzeugen, die besser werden und mehr Menschen erreichen. Das ist eine Geschichte, an der wir gerne teilhaben.

Die Werke online ansehen

Jedes in diesem Artikel erwähnte Werk ist online öffentlich zugänglich, kostenlos, über die nachstehenden Museumssammlungen. Wenn diese Geschichte etwas entzündet hat, sind dies die besten Orte, um mit der Suche zu beginnen.

Abschließender Gedanke

Der Linolschnitt begann als Boden. Er wurde zu einem Medium, das Picasso in seinen Siebzigern verwendete, das mexikanische Revolutionäre nutzten, um das Volk zu erreichen, das Sybil Andrews verwendete, um das Gefühl einer Menschenmenge in Bewegung einzufangen. Er wurde jahrzehntelang als minderwertige Form abgetan und überlebte jeden Kritiker, der ihn ablehnte.

Es ist im Grunde ein Medium über Direktheit. Die Hand bewegt sich, das Werkzeug schneidet, die Farbe überträgt sich. Zwischen Absicht und Ergebnis gibt es nicht viele Schritte. Für einen Künstler, der Spuren hinterlassen und ihnen Bedeutung geben will, ist diese Direktheit keine Einschränkung. Sie ist der Punkt.

Drucken ist ein Ritual. Das war es immer.