リノカット印刷の歴史と、それを築いたアーティストたち

リノカット印刷には、静かに過激なところがあります。想像しうるかぎりもっとも慎ましい生活の素材、つまりリノリウムの床材を手に取り、それを使って美術館の壁に掛かる作品を、政治的なパンフレットを、革命のポスターを、そして20世紀を代表する作家たちのアトリエで生まれた作品を刷ってきたのですから。

Ritualis Press にとっても、リノカットは私たちのすべての中心にある表現です。私たちは版画家のための道具を作っています。だからこそ、リノカット印刷がどこから来たのか、誰が生み出し、誰がその地位を認めさせ、誰がその限界を押し広げたのかを知ることは、自分たちの足元の地面を知ることのように感じられます。

これはリノカット印刷の歴史です。ヴィクトリア朝の床材の特許という思いがけない出発点から、表現主義者、モダニスト、そして20世紀半ばの政治版画家たちによる受容を経て、今日この技法を使う活気あるアーティストのコミュニティまでをたどります。

リノカットとは何か

リノカットは凸版画の一種です。作り手は平らなリノリウムの板を彫り、刷りたくない部分を取り除きます。そして残った盛り上がった部分にインクをのせ、紙に押し当てます。仕組みは木版画やゴムスタンプとまったく同じで、刃の下にある素材が違うだけです。

リノリウムはなめらかで均質な表面を持ち、木目がありません。そのため、刃物に対する反応が木材とはまるで違います。線はどの方向へも走らせられます。曲線も簡単です。木材が持つ自然な抵抗のせいで難しかった細部の表現も、リノリウムなら実現できます。はじめての方には扱いやすく、熟達した作家には十分に表情豊かな素材です。

今日、版画に使われるリノリウム板は、たいてい灰色か茶色で、麻布やキャンバスの裏打ちが付いています。これは1860年に Frederick Walton が特許を取得した素材と本質的に同じものです。変わったのは、作家たちがそれで何をしようと決めたか、ということでした。

はじまり：リノリウムは芸術のためのものではなかった

イギリスの発明家 Frederick Walton は、1860年にリノリウムの特許を取得しました。その名は亜麻仁油を意味するラテン語（linum）と油（oleum）を組み合わせたものです。亜麻仁油を酸化させ、コルクの粉、木粉、顔料と混ぜ、ジュートやキャンバスの裏地に圧着して作られます。丈夫で、水に強く、ヴィクトリア朝イギリスの台所や廊下に敷けるほど安価でした。

最初の用途はまったく実用的なものでした。リノリウムは労働者階級の家庭で、石の床や板張りに取って代わりました。大量生産され、規格化され、そして何より、平らでなめらかで均質でした。床材として設計した誰ひとり、いつか作家たちがそこに刃を入れるとは想像していませんでした。

床からアトリエへの移行は、1890年代に少しずつ進みました。リノリウムを版画の版として使った最初期の記録は、ドイツ語圏のヨーロッパから見つかっています。そこでは美術教育者たちが、木版彫りより取り組みやすい代替としてリノリウムを使いはじめました。安く、どこでも手に入り、木より少ない技術で彫れたからです。リノカットは美術の素材になる前に、まず教材になりました。そしてその印象は、正当かどうかは別として、何十年もつきまといました。

世界各国でのリノカットの呼び名

言葉は、その文化が何をどれだけ真剣に扱っているかを映します。リノカットにはさまざまな呼び名があります。

英語： Linocut、lino print、linoleum block print
ドイツ語： Linolschnitt、Linoleumdruck
フランス語： Linogravure
スペイン語： Linograbado
イタリア語： Linoleografia

呼び名の多さは、20世紀初頭にこの技法がヨーロッパとアメリカ大陸へ同時多発的に広がったことを物語っています。それぞれの伝統が独自に育ち、やがて互いに影響を与え合いました。

リノカット作品：1895年から1920年

フランツ・チゼックと美術教育の革命

オーストリアの教育者 Franz Cizek（フランツ・チゼック）は、リノリウムを意図的に芸術の文脈へ持ち込んだ最初期のひとりとされています。1890年代末、ウィーン工芸学校で教えていたチゼックは、子どもの美術教育において創造的な表現の道具としてリノリウム彫りを用いました。木版彫りのような技術的な負担を課さず、自由に彫らせるという方法は、目を見張るほど自然な作品を生みました。彼の影響はヨーロッパの美術教育のネットワークを通じて広がり、リノカットを正統な版画技法として確立する助けとなりました。木版画の下位形式と見られ続けたとしても、です。

エミール・オルリークと木版画の伝統への橋

日本で学び、木版画の深い知識をヨーロッパへ持ち帰ったチェコ系ドイツ人の作家 Emil Orlik（エミール・オルリーク）は、リノリウムをそれ自体として真剣な版の素材と見なした最初期のプロの作家のひとりです。1890年代の初期の作品、たとえばMoMA が所蔵する《Small Woodcuts》のポートフォリオには、日本の版画の影響が見て取れます。すっきりした線、考え抜かれた余白が、新しい素材の上で展開されているのです。オルリークは、リノリウムが木の代用品ではなく、それ自身の可能性を持つ版であることを示しました。

ドイツ表現主義者たち

初期のリノカット作家でもっとも重要な集団は、ドイツ表現主義者、とりわけ1905年にドレスデンで結成された Die Brücke（ブリュッケ、橋派）の作家たちでした。Ernst Ludwig Kirchner（エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー）、Erich Heckel（エーリッヒ・ヘッケル）、Max Pechstein（マックス・ペヒシュタイン）といった作家たちは、版画を制作の周辺ではなく中心に据えました。彼らを引きつけたのは、刃物が生む荒々しさ、白と黒の大胆な対比、そして版画がすばやく安く刷れて広く行き渡るという性質でした。

キルヒナーの版画は、その攻撃的なまでのエネルギーで人を打ちます。その質は、MoMA にある《ブリュッケ宣言》の木版（1906年）や、1918年の肖像版画、たとえば《Father Müller》や《Head of Ludwig Schames》などに見て取れます。ヘッケルの版画も、同じくらい強い心理的な深みをたたえています。表現主義者たちは、簡単だからこの技法を使ったのではありません。自分たちが言いたいことに合っていたから使ったのです。彼らの手にかかると、彫りの粗さは限界ではなく持ち味になりました。

Vasily Kandinsky（ワシリー・カンディンスキー）は、のちに抽象芸術の偉大な理論家のひとりとなりますが、この時期に色と形をめぐる実験的な版画を制作しており、そこには後年の絵画を予告するものがあります。彼は版画を、視覚的な問題をすばやく安く考え抜くための方法と捉えていました。

グスターヴ・バウマン

アメリカでは、Gustave Baumann（グスターヴ・バウマン）が同じ素材でまったく違うことをしていました。ドイツ生まれでニューメキシコに住み着いたバウマンは、驚くほど洗練された多色版画の手法を築きます。複数の版を一色ずつ刷り重ね、温かく繊細な風景版画を生み出しました。シカゴ美術館は彼の作品を191点所蔵しており、そのなかには最初期の多色版画である《Old Munich》（1905年）や、《Winsor Canyon》（1920年）のようなニューメキシコの風景も含まれます。彼の仕事は、見当合わせと減り彫り（リダクション）を極める意志さえあれば、リノカットが木版画と同じ色彩の複雑さを実現できることを示しました。

リノカット作品：1920年から1960年

グロヴナー・スクールと、刷りにおける速度

リノカット版画の歴史でもっとも大きな影響を与えた集団は、1925年に Claude Flight（クロード・フライト）がロンドンに創設した Grosvenor School of Modern Art（グロヴナー近代美術学校）です。フライトは、リノカットこそが民主的で現代的な表現だと熱心に説きました。速く、たくさん刷れて、手ごろで、しかも遅い工程ではとらえきれない現代の生活のエネルギーを写し取れる技法だ、と。

彼が導いた作家たちは、いまでは20世紀でもっとも見覚えのあるリノカット作品を残しました。動く群衆、自転車に乗る人々、ラグビーの選手、遊園地の乗り物といった、現代都市のリズムを描いたのです。斜線と曲線で速度を伝え、陰影やモデリングを使わず、鮮やかな平坦な色で刷りました。メトロポリタン美術館にはグロヴナー・スクールとその影響についての講演が公開されており、1時間を費やす価値があります。

Sybil Andrews（シビル・アンドリュース）は、グロヴナー・スクールの作家のなかでもとりわけ愛されている存在でしょう。彼女のリノカットは、リズミカルで、ほとんど音楽的といえる質感で動きをとらえます。メトロポリタン美術館は彼女の作品を数多く所蔵しており、《The Gale》（1930年）、《Speedway》（1934年）、《Racing》（1934年）、《Tillers of the Soil》（1934年）、《Bringing in the Boat》（1933年）などがあります。

Cyril Power（シリル・パワー）は、リノカットに建築家の眼差しを持ち込み、動きを内包する大胆な幾何学的形態を軸に画面を構成しました。ロンドン地下鉄の連作は必見です。《The Tube Train》、《The Tube Station》、《The Tube Staircase》はいずれもメトロポリタン美術館にあります。《The Vortex》（1929年）、《The Runners》、《The Eight》も同様です。大英博物館もパワーの作品を所蔵しています。

スイスの作家Lill Tschudi（リル・チュディ）は、グロヴナー・スクールで学んだのち、パリでフェルナン・レジェとジーノ・セヴェリーニに師事しました。彼女の版画には鋭いヨーロッパ的なエネルギーがあります。《Ice Hockey》、《Street Decoration》、《Tour de Suisse》はいずれもメトロポリタン美術館にあります。

オーストラリアの作家Ethel Spowers（エセル・スパワーズ）は、クロード・フライトに学ぶためにわざわざロンドンへ渡り、グロヴナー・スクールの美学をオーストラリアへ持ち帰りました。彼女の《Bank Holiday》（1935年）はメルボルンのヴィクトリア国立美術館にあります。余暇と光を美しく構成した一枚です。

パブロ・ピカソ

リノカットの歴史は、パブロ・ピカソなしには語れません。彼がこの技法に出会ったのは、経歴のかなり後期、1950年代末のことでした。ピカソは南フランスのヴァロリスで制作し、減り彫りのリノカットを見出します。同じ版を少しずつ彫り進めながら複数の色を刷り重ね、その過程で前の層を壊していく方法です。後戻りはできません。どの段階も取り返しがつかないのです。

メトロポリタン美術館はクレイマー・コレクションのピカソのリノカット147点を所蔵し、詳細な研究書としても刊行されています。同館の個別作品には《Portrait of a Woman, after Lucas Cranach II》や《Bacchanal: Flutist and Dancers》があります。MoMA は《Still Life with Glass Under the Lamp》（1962年）を所蔵しており、彼のもっとも優れた減り彫りリノカットのひとつです。ピカソがこの技法を選んだことで、リノカットは版画の下位形式だという見方についに終止符が打たれました。

政治のための版画：レオポルド・メンデスとメキシコの伝統

メキシコでは、リノカットはまったく別の道を歩みました。1937年にLeopoldo Méndez（レオポルド・メンデス）らが共同で設立した Taller de Gráfica Popular（民衆版画工房）は、リノカットと木版画を政治的な伝達の道具として使いました。ポスター、パンフレット、ビラを作ったのです。その版画は、ひと目で伝わり、大量に複製でき、美術館に足を運ぶことのない人々にも届くよう設計されていました。

シカゴ美術館は北米最大のメンデス作品コレクションを持ち、《Firing Squad》や、圧倒的な《Homage to Posada》を所蔵しています。LACMA は《In the Hands of the Gestapo》（1942年頃）を所蔵しています。メトロポリタン美術館は1900年から1950年のメキシコの版画についての詳細な論考を公開しており、メンデスと工房を全体の文脈のなかに位置づけています。Taller de Gráfica Popular は、リノカットが芸術であると同時に手段でもありうること、美しさと目的は切り離す必要がないことを示しました。

エリザベス・キャトレット

アフリカ系アメリカ人の彫刻家であり版画家である Elizabeth Catlett（エリザベス・キャトレット）は、のちにメキシコに移り住み Taller de Gráfica Popular とともに制作しました。彼女のリノカットは、メキシコの伝統が持つ政治的な率直さと、アフリカ系アメリカ人の経験への深い眼差しを結び合わせています。連作《The Black Woman》（1946〜1947年）は、20世紀の版画における金字塔のひとつです。

MoMA はこの連作の全点を所蔵しており、そのなかには《I Am The Black Woman》や《And a Special Fear for My Loved Ones》が含まれます。シカゴ美術館は連作から3点、《In Other Folk's Homes》、《Special Houses》、《And a Special Fear for My Loved Ones》を所蔵しています。キャトレットの仕事は、リノカットが主流の制度の外で制作する作家にも常に開かれてきたことを思い出させてくれます。ほかのどの版画技法よりも、必要な設備も場所もお金も少なくて済むからです。

この技法の正統性について、書き添えておきたいこと

初期の歴史の多くにおいて、リノカットは本格的な版画家から学生や初心者のための道具だと退けられていました。批評家 Aylmer Perry は1938年、こう擁護せざるをえませんでした。リノリウムは木の代用品かもしれないが、それ自体が、最良の版画家たちが真剣に向き合うに値する表現手段である。

そんな擁護は必要ないはずでした。それでも必要だったのです。芸術には常に序列があり、20世紀前半の大半において、リノカットは版画の序列のほぼ最下層に置かれていました。変わったのは技法ではありません。それを選んだ作家たちのほうでした。ピカソがヴァロリスで彫刻刀を手にしたとき、議論は終わったのです。

今日のリノカット：手仕事の回帰

いま版画の世界で起きていることを、Ritualis Press の私たちは自分たちのコミュニティのなかで毎日のように目にしています。何十年ものデジタルな画像制作を経て、世界中の作家が、物質的なもの、手で作るもの、ゆっくりしたものへ戻りつつあります。リノカットはその回帰の一部です。

理由はさまざまです。工程のシンプルさに惹かれる人もいます。手と道具と面が直接に結ばれる感覚です。不完全さを大切にする人もいます。同じ版から刷っても、二枚として同じものにならないという性質です。歴史に惹かれる人もいます。キルヒナーやピカソ、キャトレット、アンドリュースを含む伝統の一部になるという感覚です。

そして、その儀式性に惹かれる人もいるのだと私たちは思います。支度をして、インクをのせて、刷り上がった紙をめくる。紙を持ち上げ、版が与えてくれたものを目にするあの瞬間。その瞬間は、手で版画用木製バレンを使っていても、細部のためにガラス製バレンで圧をかけていても、A3リノプレスに紙を通していても変わりません。技術は変わります。儀式は変わりません。

作ること：伝統を貫く道具たち

リノカットの歴史がはっきり示しているのは、道具が常に重要だったということです。グロヴナー・スクールの作家たちは簡素な手道具で制作し、手刷りか卓上プレスで刷りました。ピカソはプロの版画工房で制作しました。Taller de Gráfica Popular には共同のアトリエ設備があり、大量に刷ることができました。

これらの作家すべてに共通していたのは、道具と素材とのあいだの親密な関係です。使う彫刻刀が線の性格を決めます。インクローラーが版の上でのインクののり方を決めます。プレスやバレンが圧力と転写の質を決めます。

今日、自宅にアトリエを整える版画家は、グロヴナー・スクールの作家たちが驚くような道具を手にできます。台所のテーブルに置ける小型のプレス、精度の高いバレン、凸版印刷のために開発されたインク。私たちのプレスも、A5からA4、A3、そしてA2テキスタイル用リノプレスまで、あの初期の作家たちが目指していたのと同じ原則、つまり安定性、制御、そして本当に質の高いエディションを刷れることを軸に設計されています。

リノカットの歴史は、ある面では、道具がより良くなり、より多くの人に届いていく歴史でもあります。私たちはその一部でいられることをうれしく思います。

作品をオンラインで見る

この記事で触れたすべての作品は、以下の美術館のコレクションを通じて、無料でオンラインに公開されています。この歴史に心が動いたなら、まずはここから見はじめてみてください。

Tate

Ernst Ludwig Kirchner：Tate の作家ページ

最後にひとこと

リノカットは床材としてはじまりました。それが、70代のピカソが使い、メキシコの革命家たちが人々に届くために使い、シビル・アンドリュースが動く群衆の感覚をとらえるために使った表現になったのです。何十年ものあいだ取るに足らない形式だと退けられ、そして退けたすべての批評家より長く生き延びました。

結局のところ、リノカットは率直さについての表現です。手が動き、刃が彫り、インクが移る。意図と結果のあいだに、たくさんの段階はありません。しるしを刻み、それを意味あるものにしたい作家にとって、その率直さは限界ではありません。それこそが要点なのです。

刷ることは儀式です。いつの時代も、そうでした。